terça-feira, 23 de outubro de 2018

Paradise Lost – Believe in Nothing (2001/2018)


Paradise Lost – Believe in Nothing (2001/2018)
(Nuclear Blast/Shinigami Records – Nacional)


01. I Am Nothing
02. Mouth
03. Fader
04. Look At Me Now
05. Illumination
06. Something Real
07. Divided
08. Sell It To The World
09. Never Again
10. Control
11. No Reason
12. World Pretending
13. Gone (Bonus Track)
14. Leave This Alone (Bonus Track)

Falando como “torcedor” do Paradise Lost, sempre tive sérios problemas com Believe in Nothing, já que é o álbum que menos gosto em toda a discografia da banda. Dei chances e mais chances ao mesmo, mas no final a conclusão era sempre a mesma: fraco. Em contrapartida, conheço muitas pessoas que são tão fãs da banda quanto eu, mas que apreciam muito este álbum, deixando claro que no fim, tudo é uma questão unicamente de gosto pessoal, da forma como uma expressão artística atinge o receptor. Sendo assim, resolvi deixar meu ranço de lado e ser o mais imparcial possível com relação ao álbum em questão.

Alguns anos atrás, Greg Mackintosh disse em uma entrevista que a fase compreendida entre Host e Believe In Nothing foi muito sombria e confusa para a banda, tanto do ponto de vista musical como pessoal. Conflitos internos, falta de foco e principalmente forte pressão da gravadora – a na época gigante EMI -  para o lançamento de um trabalho de fácil assimilação e alta vendagem marcaram esse período. Vale dizer que inclusive a mesma interferiu diretamente na produção do álbum, sem autorização da banda, resultando assim na perda de peso das guitarras na mixagem, o que causou forte desconforto. O Paradise Lost nunca escondeu sua má vontade com o resultado de Believe In Nothing, por isso não foi surpresa que logo após o relançamento de Host no começo de 2018, anunciassem uma versão remixada e remasterizada pelas mãos de Jaime Gomez Arellano, atual produtor da banda.

A versão original de Believe In Nothing sempre me soou como um álbum de Rock Alternativo, com alguns toques de goticismo. Apesar de as guitarras terem retornado ao centro das atenções, em momento algum soavam pesadas como deveriam, e os elementos Synth Pop/Goth que funcionaram tão bem em Host, passaram a ocupar um espaço menor. Era como se tivéssemos um legítimo sucessor de One Second, mas sem a pegada necessária. Além disso, sempre enxerguei uma forte variação de qualidade entre as faixas, com algumas onde eu conseguia ver potencial e outras que me faziam pular para a música seguinte. Sendo assim, a curiosidade para escutar a versão remixada e remasterizada era grande, afinal, ela seria um retrato quase perfeito do que a banda buscava originalmente apresentar.


A primeira coisa que me chamou a atenção, é que as músicas onde eu enxergava potencial, realmente eram boas. Canções como “I Am Nothing”, com bom refrão e guitarras, “Mouth”, e seu ar emotivo e obscuro, “Fader”, onde o lado gótico foi realçado, “Look At Me Now”, com elementos eletrônicos que remetem ao Host, a ótima “Illumination”, com suas guitarras que lembram The Sister of Mercy, e a lenta, profunda e pesada “World Pretending”, finalmente mostraram toda a sua força. As guitarras soam fortes e vivas, com os elementos góticos típicos da banda ganhando o merecido destaque. Quanto as demais canções, nem todas funcionam como deveriam. Algumas, como “Sell It To The World”, “Something Real” e “Divided” até conseguiram crescer um pouco em qualidade, apesar de um tanto convencionais, mas outras como “Never Again”, “Control” e “No Reason” continuaram soando fracas e sem inspiração. Para completar o pacote, temos 2 faixas bônus, a boa e sombria “Gone”, que sinceramente deveria ter entrado na versão normal do álbum, e  “Leave This Alone”, que não compromete.

A melhora ocorrida através da remixagem e remasterização é gritante, e ao menos aos meus ouvidos, deu novas cores a Believe In Nothing. Como já dito, ainda sim nem tudo funciona as mil maravilhas, e o álbum começa a soar um pouco cansativo do meio para frente, até mesmo por ocorrer uma pequena queda de qualidade no que tange as canções. A produção feita por Jaime Gomez Arellano conseguiu tirar parte da má impressão que eu tinha com relação ao trabalho. Não vou mentir que para mim, continua sendo o elo mais fraco de uma discografia brilhante, mas agora é um elo melhor do que muita coisa que se escuta por aí. Quem diria que um dia eu acharia Believe In Nothing um bom álbum? Os tempos mudam meus amigos, mudam muito.

NOTA: 78

Paradise Lost (gravação)
- Nick Holmes (vocal);
- Gregor Mackintosh (guitarra/teclado);
- Aaron Aedy (guitarra);
- Stephen Edmondson (baixo);
- Lee Morris (bateria).

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segunda-feira, 22 de outubro de 2018

Paradise Lost – Host (1999/2018)


Paradise Lost – Host (1999/2018)
(Nuclear Blast/Shinigami Records – Nacional)


01. So Much Is Lost
02. Nothing Sacred
03. In All Honesty
04. Harbour
05. Ordinary Days
06. It’s Too Late
07. Permanent Solution
08. Behind The Grey
09. Wreck
10. Made The Same
11. Deep
12. Year Of Summer
13. Host

Antes de começar a resenha, já deixarei mais do que claro: sou “torcedor” do Paradise Lost. Sendo assim, ao ler isso, é provável que você já imagine, e com razão, que sou desses que endeusa tudo que o quinteto inglês faz. Bem, devo informar que sou torcedor sim, mas daqueles críticos, que sempre quer ver a banda dando o seu melhor. Claro, nem sempre foi assim, afinal, todos temos aquela fase mais “die hard”, onde o radicalismo impera, como também aquela acrítica, onde tudo é lindo e maravilhoso. Host é, sem dúvida, o trabalho que melhor se encaixa na minha fase radical.

Quando o mesmo saiu no ano de 1999, minha primeira reação ao escutá-lo foi a mesma de muitos fãs da banda até então: “Que m#$&* é essa?”. Essa foi a pergunta que me fiz quando da primeira audição de Host, e confesso, a única por muitos, muitos anos. Porque tal reação? Bem, talvez porque aqui o Paradise Lost leva seu experimentalismo ao extremo, ousando sair do comodismo e explorando novos horizontes criativos, algo para o qual eu, com meus 22 anos, não estava maduro o suficiente para entender e aceitar. Não tenho vergonha de admitir que o odiei por muito tempo, até ter a maturidade o suficiente para finalmente compreender o que se descortinava diante de mim.

Host é um álbum de Synth Pop/Goth, influenciado pelos anos 80, principalmente por Depeche Mode, e em 1999, poucos estavam preparados para tal mudança. Era difícil compreender que essa era o mesmo grupo responsável por lançar 4 anos antes, um dos melhores álbuns de Metal de todos os tempos, Draconian Times. Onde estavam os vocais agressivos, as guitarras distorcidas, a bateria enérgica? Tudo que eu conseguia escutar eram vocais limpos (algo que já haviam apresentado em One Second), guitarras sintetizadas, que ficavam em segundo plano, pois, eram soterradas pelos teclados, samplers, além de uma parte rítmica que mais parecia ter saído de um álbum Synth Pop oitentista. Pois, hoje chegou o dia de redimir Host.


O Paradise Lost sempre se caracterizou pelo ecletismo durante toda a sua carreira, por isso chega a ser difícil acreditar que existam fãs radicais da banda por aí, são quase que mitos, mas já conheci alguns, nessa vida. Se por acaso você é um desses “unicórnios” perdidos, deve estar se perguntando o porquê de redimir um álbum que foge de tudo que a banda fez antes e depois. Possivelmente porque sou fã há 27 anos – o que equivale a 65% do meu tempo de vida até hoje -, e, porque aprendi a apreciá-lo, mas principalmente, porque mudei muito nesses quase 20 anos e sou teimoso como uma mula quando acredito em algo. Bem, acredito em Host.

Hoje, quando olho para trás, consigo ver que esse era o passo lógico a ser dado após One Second, e que apenas foram em frente com relação ao que haviam apresentado no mesmo. Consigo enxergar também que as características básicas da banda continuam mais que presentes, bastando você se despir de opiniões pré-concebidas e de radicalismos. Apesar de todos os efeitos que foram utilizados para dar um clima eletrônico e atmosférico, aquelas guitarras únicas e inconfundíveis se fazem presentes, incluindo aí os riffs e fraseados fantásticos, característicos do trabalho de Mackintosh, que dão o toque de melancolia típico do Paradise Lost. Os vocais de Nick, seguindo na mesma tocada de One Second, estão simplesmente primorosos, mostrando uma maturidade absurda. Ainda hoje, considero esse seu melhor desempenho vocal em um álbum da banda.

 

Além de tudo que foi citado, temos aqui o mais importante, ou seja, aquela vibração sombria que perpassa toda a carreira da banda, um DNA Paradise Lost. A música aqui é cativante e atmosférica, com um goticismo latente que se faz presente em cada uma das canções. Mesmo sem o peso das guitarras, a melancolia se faz inerente, e isso é o mais importante quando se trata da banda. Host consegue ser simples em sua fórmula, mas, ao mesmo tempo, rico e complexo, graças às diversas camadas de guitarras e teclados. É sim, um álbum de muitas texturas e sabores, que deve ser apreciado com calma e sem pressa alguma. Canções como “So Much Is Lost”, “Nothing Sacred”, “Ordinary Days”, “Permanent Solution”, “Behind The Grey” e “Made The Same” possuem elementos em comum, que permitem as guitarras sintetizadas e aos teclados se destacarem, além de ótimas melodias e refrões que cativam já na primeira audição, envolvendo o ouvinte com uma facilidade absurda.

Claro que se você não for fã desse tipo de proposta, a lógica é achar Host um álbum monótono, já que em um ou outro momento a coisa fica toda um pouco arrastada, e existe certa tendência às canções parecerem um pouco entre si. Mas se for desses que apreciam Synth/Goth, e principalmente Depeche Mode, fatalmente vai terminar envolvido e imerso no álbum durante sua audição. Por falar no veterano duo inglês, uma vez li que Host é o álbum que o Depeche Mode deveria ter lançado após Ultra, e sendo apreciador de ambas as bandas, fica meio difícil não concordar, dada a qualidade dos temas aqui presentes. Vale destacar também a excelente produção, já que por se tratar do trabalho de estreia da banda pela gigante EMI, recebeu todo o suporte da gravadora nesse sentido. Ouso dizer que nunca conseguiram nada tão perfeito nesse sentido até hoje.

Resumindo, se você se encaixa no grupo que tem ressalvas ao trabalho, abra a sua cabeça, dispa-se de seus preconceitos e terá em mãos um álbum de rara qualidade em se tratando de Synth Pop/Goth. Se for fã, pode mergulhar de cabeça, chamar de Depeche Lost ou Paradise Mode, até porque para mim, ainda é o melhor álbum do Depeche Mode não lançado pelo Depeche Mode. Se não se encaixa em nenhum dos 2 grupos, apenas aproveite um álbum de extrema qualidade.

NOTA: 87

Paradise Lost (gravação)
- Nick Holmes (vocal);
- Gregor Mackintosh (guitarra/teclado);
- Aaron Aedy (guitarra);
- Stephen Edmondson (baixo);
- Lee Morris (bateria).

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segunda-feira, 15 de outubro de 2018

Rotting Christ - Triarchy of the Lost Lovers (1996/2018)


Rotting Christ -Triarchy of the Lost Lovers (1996/2018)
(Cold Art Industry - Nacional)


01. King of a Stellar War
02. A Dynasty from the Ice
03. Archon
04. Snowing Still
05. Shadows Follow
06. One with the Forest
07. Diastric Alchemy
08. The Opposite Bank
09. The First Field of the Battle
Bonus Tracks
10. Tormentor (Kreator cover) *
11. Flag of Hate/Pleasure to Kill (Kreator cover) *

Não vou dizer que Triarchy of the Lost Lovers é o melhor álbum da carreira do Rotting Christ, afinal, estamos falando de uma banda que tem em sua discografia, obras do porte de Thy Mighty Contract (93), Non Serviam (94), A Dead Poem (97), Khronos (00) e Sanctus Diavolos (04). Entretanto, sem dúvida, o 3º trabalho dos gregos é o preferido de muitos fãs espalhados pelo mundo. E é justamente ele que a Cold Art Industry, em um verdadeiro serviço de utilidade pública, lança em versão nacional, em uma edição similar à que foi lançada em digipack no ano de lançamento. Isso significa que temos aqui 3 covers do Kreator, mais precisamente para as clássicas “Tormentor”, “Flag of Hate” e “Pleasure to Kill” (essas duas em um medley). A diferença aqui se dá pelo fato de o material vir em caixa acrílica, embalado em um slipcase e limitado apenas a 500 cópias.

Mas o que Triarchy of the Lost Lovers possui de tão especial? Ele é só o álbum que definiu o Rotting Christ como banda. Não entendam mal, Thy Mighty Contract e Non Serviam são trabalhos fabulosos, mas não apresentavam qualquer novidade quanto a questão estilística, mesclando Black Metal com Thrash, e se diferenciando do que outras bandas faziam unicamente na questão da inspiração para as composições. Já aqui podemos observar uma boa dose de elementos góticos, que unido ao que a banda fazia, gerou aquilo que muitos rotularam de Dark Metal. As músicas alternam entre o mid-tempo e o cadenciado, com boas mudanças de tempo e melodias que conseguem dar um aspecto sombrio, triste e fúnebre às canções. O álbum possui uma atmosfera bem emocional e espiritual, que o transformaram em um trabalho único até então.

A evolução da banda fica muito clara, e é possível observarmos um refinamento muito maior de seu som. As canções estão mais bem trabalhadas, as guitarras despejam riffs afiadíssimos e cortantes, sem abrir mão das melodias, enquanto o baixo, bem sólido, e a bateria, bem variada, dão peso às músicas. Nota-se também que os vocais já não soam tão forçados quanto nos 2 trabalhos anteriores. É, sem dúvida, sua obra mais madura e agradável aos ouvidos, com uma musicalidade muito superior ao de álbuns anteriores. Vale destacar também que Triarchy of the Lost Lovers funciona bem, tanto se analisarmos suas faixas de forma individual, como se o fizermos pelo todo. A coesão do material impressiona.


Apesar do nível altíssimo apresentado, ainda é possível apontarmos alguns destaques dentre as 9 canções que compõem o álbum. “King of a Stellar War” abre o trabalho de forma cativante, com seu ritmo mais lento e suas ótimas melodias.  “A Dynasty from the Ice” se destaca não só pelos ótimos riffs, como por possuir boas passagens atmosféricas. “Archon” é enérgica, pesada e bruta, enquanto a bela e cadenciada “Snowing Still” chama a atenção pelas suas melodias taciturnas, além de possuir um belo solo. “One with the Forest” tem uma boa utilização do teclado, responsável por boas passagens atmosféricas, além de, claro, ser mais uma que se destaca pelas melodias. “The Opposite Bank” é dessas canções fortes que tem um trabalho de guitarra bem marcante, e  “The First Field of the Battle”, que encerra a versão padrão do álbum, tem não só bons riffs, como um clima sombrio.

A produção ficou nas mãos do hoje experiente Andy Classen, mas que na época vinha iniciando sua carreira de produtor. O resultado foi superior ao que haviam apresentado até então, já que tudo está audível, limpo e com uma boa organicidade, capaz de passar uma sensação de frieza ao ouvinte. Já a capa foi obra de Stephen Kasner, e é uma das mais marcantes da carreira dos gregos. Triarchy of the Lost Lovers é o álbum definidor da carreira do Rotting Christ, onde conseguiram equilibrar o peso do Black e a melancolia do Gothic, dando assim um norte para seus trabalhos futuros. Um clássico obrigatório na coleção de qualquer bom amante do Heavy Metal.

NOTA: 89

Rotting Christ é:
- Sakis Tolis (vocal/guitarra);
- Jim Patsouris (baixo);
- Themis Tolis (bateria/percussão).

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Cold Art Industry

quinta-feira, 11 de outubro de 2018

Sun Diamond - Sun Diamond (2017)


Sun Diamond - Sun Diamond (2017)
(Independente - Nacional)


01. Frozen Bones
02. Detached
03. Let Me Drunk (and R.I.P)
04. Go To The Yard
05. She Took the High Road
06. To Call Home
07. Money Wars
08. Blackstar
09. My Bunker

Surgida em Recife no ano de 2014, o Sun Diamond é mais um nome vindo do fortíssimo cenário nordestino, que sempre revela ótimos nomes para a música, seja em estilos mais pesados, ou nos mais “populares”. Mas convenhamos, em se tratando de uma região tão rica culturalmente e com um povo tão batalhador e trabalhador, não poderíamos esperar menos. Que olhemos com mais atenção e carinho para o cenário e público da região, pois, merecem mais-que-tudo. Loas a região à parte, vamos ao que interessa.

Apesar de ser uma banda relativamente nova, o Sun Diamond já chega ao seu debut, nos apresentando uma mescla bem interessante de Heavy Tradicional e Hard Rock, que apesar de transparecer suas influências, já consegue apresentar certa identidade. Sua música se mostra bem trabalhada, com boa técnica, algumas mudanças de andamento, além de bom peso (cortesia da parte rítmica com o baixista Miguel Guerra e o baterista Lucas Alves), riffs e solos consistentes, entregues pela dupla Eduardo Teixeira e Leo Campanha, e melodias que podem cativar o ouvinte.

Mas existe um porém que não pode ser ignorado, e que afeta sim um pouco o resultado: os vocais. Não que Aílton Neto seja ruim, mas se não bastasse seu timbre não ser dos mais agradáveis (mas nesse caso já é uma questão de gosto pessoal), em diversos momentos resolve insistir com vocais mais agudos, que me perdoe, na maior parte do tempo soam irritantes. Sério, não sei ao vivo, mas no CD não funcionou mesmo, a ponto de, em alguns momentos, eu me sentir tentado a parar a audição. Se não o fiz, é porque o instrumental da banda conseguiu me fazer relevar esse detalhe. Mas foi difícil.


São 9 músicas que possuem um nível bem homogêneo de qualidade, mas com alguns inevitáveis destaques. “Frozen Bones” se mostra bem enérgica, apesar de alguns momentos em que o vocal irrita, enquanto “Detached” tem um pé no Hard Rock, mas sem abrir mão do lado Heavy da banda. “Go To The Yard” é um Heavy/Hard que empolga, com um trabalho bem legal das guitarras, além de ter um refrão bem legal. “She Took the High Road” tem um pé no Classic Rock e em alguns momentos o instrumental pode remeter ao Black Sabbath. Ok, os primeiros segundos de “Money Wars” me lembraram da introdução de alguma música do Green Day, e isso se repete em um ou outro momento, mas na maior parte do tempo temos um Heavy Tradicional de respeito.

A produção se mostra bem simples, mas funcional e não chega a comprometer, possuindo uma boa dose de crueza. Particularmente penso que poderiam ter refinado um pouco mais as coisas, mas ainda sim a mesma se encaixa dentro da proposta sonora da banda. A capa também se mostra bem simples, deixando claro que o ponto central do trabalho é sua música. O Sun Diamond nos entrega um bom trabalho de estreia, consistente, coeso, e que mostra potencial para voar bem mais alto. Tudo é questão de aparar algumas arestas, algo esperado em uma banda tão nova.

NOTA: 7,4

Sun Diamond é:
- Aílton Neto (vocal);
- Eduardo Teixeira (guitarra);
- Leo Campanha (guitarra);
- Miguel Guerra (baixo);
- Lucas Alves (bateria).

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segunda-feira, 8 de outubro de 2018

Melhores álbuns – Setembro de 2018


No primeiro domingo de cada mês o A Música Continua a Mesma fará uma lista com os melhores álbuns do mês anterior. Nela, respeitaremos as datas oficiais de cada lançamento, então sendo assim, não contaremos a data que os mesmos vazaram na internet, mas sim quando efetivamente foi ou será lançado.

Sendo assim, ai vão os melhores lançamentos de setembro na opinião do A Música Continua a Mesma.

1º. Krisiun - Scourge Of The Enthroned


2º. Anaal Nathrakh - A New Kind of Horror 


3º. Joe Bonamassa - Redemption
 

4º. Facada - Quebrante


5º. Deicide - Overtures Of Blasphemy


6º. Mayan - Dhyana
 

7º. Vôdûn - Ascend


8º. Clutch - Book of Bad Decisions 


9º. Monster Truck - True Rockers


10º. Attacker - Armor of the Gods
 

Menções Honrosas

- Monstrosity - The Passage of Existence


- Sorcier des Glaces - Sorcier Des Glaces


- Wolfheart - Constellation of the Black Light


- Aborted - TerrorVision


- Eternal Sacrifice - Ad Tertivm Librvm Nigrvm

 

sexta-feira, 5 de outubro de 2018

Behemoth - I Loved You at Your Darkest (2018)


Behemoth - I Loved You at Your Darkest (2018)
(Nuclear Blast Record – Importado)

01. Solve
02. Wolves ov Siberia
03. God = Dog
04. Ecclesia Diabolica Catholica
05. Bartzabel
06. If Crucifixion Was Not Enough…
07. Angelvs XIII
08. Sabbath Mater
09. Havohej Pantocrator
10. Rom 5:8
11. We Are the Next 1000 Years
12. Coagvla

Sempre tive grande apreço pelo Behemoth, e ainda devo ter em algum canto aqui em casa, minhas fitas-cassetes de Grom (96), Pandemonic Incantations (98) e Satanica (99), gravadas na segunda metade dos anos 90. Era uma época em que, por viver em uma cidade do interior e não ter lá muitas condições de adquirir CD’s, eu costumava fazer um “catadão” nas coleções de alguns amigos e passar tudo para as “abençoadas fitinhas”. Talvez por isso, sempre que vejo o nome da banda em algum site ou revista, sempre que anunciam algum material novo, me bate certo saudosismo desses tempos, quando sim, tudo parecia mais simples, até mesmo quando falávamos de Heavy Metal.

Não sei se em algum momento, Nergal imaginou que o Behemoth poderia se tornar tão grande quanto se tornou dentro do cenário metálico mundial. Alguns detratores podem alegar que isso não se deu puramente por razões musicais, afinal, seu vocalista e guitarrista sempre foi um nome polêmico, já tendo inclusive encarado um tribunal em seu país, por ter rasgado uma bíblia durante um show. O crescimento começou efetivamente com o lançamento de The Apostasy (07), se consolidou com Evangelion (09) e se tornou uma realidade com The Satanist (14), e a maior prova disso é toda a expectativa que antecedeu I Loved You at Your Darkest, seu 11º trabalho de estúdio. Eu mesmo estava ansioso há meses para escutá-lo.


The Satanist colocou a banda em um lugar de destaque dentro da cena, tendo sido não só um dos grandes trabalhos de sua carreira, como um dos destaques de 2014. Após um trabalho de tamanha repercussão positiva, a lógica seria muito simples, ou seja, manter a fórmula, a mesma pegada. Mas bem, estamos falando do Behemoth, e o comodismo, o caminho mais fácil, nunca foi lá a opção preferida da banda. Não que I Loved You at Your Darkest seja um álbum brutalmente diferente de seu antecessor, ele até possui alguns traços em comum, já que se mantém em busca das raízes da banda, mas passa longe de ser um clone ou uma simples continuação do mesmo. Ele é único, caminha com as próprias pernas, algo incomum para uma banda que chegou ao patamar que o Behemoth se encontra no momento.

Nergal e cia procuraram explorar novas fronteiras musicais, sem que isso necessariamente tenha significado fugir da sonoridade padrão da banda. Suas características básicas continuam aqui, com riffs fortes e sinistros – alguns poderiam estar em Demigod, por exemplo – e uma parte rítmica que se destaca não só pela coesão, mas pelo peso e técnica. Ainda sim, é um álbum mais flexível que The Satanist, o que pode ser observado nas utilizações de corais infantis e gregorianos ou em passagens acústicas. Essa maior flexibilidade também permitiu que Orion (baixo) e Inferno (bateria) explorassem mais seus lados criativos, além de colocar a guitarra no centro das canções (por mais que em alguns momentos elas sejam abafadas pela bateria e pelos vocais, que estão bem altos).

“Solve” é uma introdução simples e funcional, já que o coral infantil aqui utilizado funcionou muito bem, ajudando a dar aquele ar escuro e melancólico que será observado no decorrer do trabalho. “Wolves ov Siberia” é um dos momentos onde podemos traçar um paralelo entre I Loved You at Your Darkest e The Satanist. É agressiva, rápida e tem um pé bem firme no Black Metal. Outra que segue bem essa linha é a já conhecida “God = Dog”, que tem aqueles riffs de guitarra bem característicos do Behemoth. Caótica e anárquica, é enriquecida não só pelo coro gregoriano, como também pelos corais infantis que resurgem em determinado momento. Não soa exagerado dizer que é uma fotografia do álbum como um todo. “Ecclesia Diabolica Catholica” tem uma queda para o Black Melódico, mas sem abrir mão daquele peso esmagador do Death Metal. Além disso, tem um ótimo refrão, bons solos, e a bateria de Inferno soa simplesmente infernal (a tentação do trocadilho foi maior).


“Bartzabel” surge para dar uma quebrada na ferocidade do álbum até então. Melancólica e mais arrastada, tem algo de Doom e um clima um tanto ritualístico. É sem dúvida alguma a canção mais melódica de todo o trabalho. Destaque para o coro gregoriano repetindo “Come unto me Bartzabel”, que soa sinistro. Você sente que a qualquer momento o demônio pode se materializar diante de você. “If Crucifixion Was Not Enough…” é um Death/Black enérgico, agressivo, com ótimos solos e com um trabalho primoroso da parte rítmica. “Angelvs XIII” é dessas canções esmagadoras que o Behemoth faz como poucos, e poderia estar tranquilamente em Demigod ou The Apostasy. O álbum dá uma pequena caída, com a sequência composta por “Sabbath Mater”, uma tentativa de continuidade de The Satanist, com bons riffs e vocais, e “Havohej Pantocrator”, dura escura e atmosférica. “Rom 5:8” é opressiva e visceral, com boa variação vocal, e “We Are the Next 1000 Years” é intensa, forte e simplesmente perturbadora. Encerrando, temos a instrumental “Coagvla”.

O álbum teve a produção realizada pela própria banda, com a coprodução da bateria por Daniel Bergstrand – que trabalha com o grupo desde Demigod, além de ter produzido nomes como Abbath, Dark Funeral, In Flames e Meshuggah –, mixagem de Matt Hyde (Children of Bodom, Marty Friedman, Slayer, Soufly) e masterização de Tom Baker (Bruce Dickinson, Judas Priest, Marilyn Manson, Megadeth, Pantera). O resultado é muito bom, apesar de a bateria ter ficado um pouco alta para o meu gosto. Apesar de limpo e claro, conseguiram manter uma pequena dose de crueza, algo que remete mais ao passado da banda. Já a bela capa foi obra do italiano Nicola Samori. Se recusando a dormir sobre os louros de seu trabalho anterior, o Behemoth conseguiu soar ainda mais efetivo, mas sem abrir mão de seus princípios.

NOTA: 89

Behemoth é:
- Nergal (vocal/guitarra);
- Orion (baixo);
- Inferno (bateria).

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quinta-feira, 4 de outubro de 2018

Heaviest – The Wall Of Chaos-T (2018)


Heaviest – The Wall Of Chaos-T (2018)
(Shinigami Records - Nacional)


01. Like Those Ones a
02. Thieves Of Live
03. Blood
04. Can’t You See?
05. Fire It Up
06. Hunted
07. Kill The King
08. All Of This
09. The End
10. Wake Up
11. E-Crime Suicide

A cena do Metal no Brasil tem certa repulsa ao que é moderno, já que tendência conservadora do headbanger em nosso país se reflete de diversas formas. Existe um forte culto, principalmente aos anos 80 e a primeira metade dos 90, as bandas e sonoridades surgidas nessa época. Para uma parcela considerável dos fãs, o que é novo ou moderno, sempre recebe o rótulo de “modinha”, sempre é tratado como algo menor ou sem qualidade. Não existe um equilíbrio entre passado, presente e futuro, e isso acaba refletindo diretamente na cena, que fica estagnada por se prender a um saudosismo e conservadorismo exacerbados.

O debut do Heaviest, Nowhere (15), se destacou justamente por fugir da fórmula padrão de boa parte das bandas nacionais. Nele foi possível escutar um Heavy Metal moderno, com toques de Groove, naquela pegada muito próxima do que é feita por bandas oriundas dos Estados Unidos, como Disturbed, Stone Sour ou Five Finger Death Punch, algo raro de se ouvir por essas paragens. Isso claro gerou uma expectativa grande pelo seu próximo trabalho, que aumentou com as mudanças de formação ocorridas na banda. Mario Pastore deixou os vocais da banda, que foram assumidas por Alax Willian, além de passarem a contar apenas com uma guitarra, após a saída de Márcio Eidt.

Bem, se o debut te agradou, pode relaxar, pois, mesmo com mudanças tão profundas, o Heaviest conseguiu manter sua sonoridade intocada. Os vocais de Alax conseguem soar até mais versáteis que os de Pastore, permitindo que invistam em uma maior diversidade musical. Não sentiram também a falta de uma guitarra, já que Guto Mantesso realiza um belo trabalho nesse sentido, pois, ouvimos não só uma sonoridade bem moderna, como também riffs bem pesados e bons solos. Renato Dias (baixo) e Vitor Montanaro (bateria) formam uma parte rítmica bem sólida, forte, pesada e diversificada.


De cara, já mostram ao que vieram com a ótima “Like Those Ones”, intensa, com um bom groove e um solo que se destaca. Na sequência temos a pesada “Thieves Of Live”, com bons riffs e melodias, e “Blood”, onde variam bem o andamento e os vocais de Alax se destacam acima da média. “Can’t You See?” é bem pesada, tem um que de Pantera e participação do guitarrista Matias Kupiainen (Stratovarius), enquanto “Fire It Up” tem bons riffs e vai agradar em cheio os apreciadores do debut. “Hunted” mescla bem o moderno e o tradicional, se destacando pelas melodias e pelo dueto vocal entre Alax e Zak Stevens. “Kill The King” se destaca pela agressividade e pelo peso, que sobram durante toda a sua execução. Já “All Of This” tem um belo solo de Lucas Bittencourt e melodias vocais agradáveis. A sequência final se dá com as pesadas “The End”, “Wake Up” e “E-Crime Suicide”, com bons riffs e melodias.

A produção ficou toda a cargo de Guto Montesso, com co-produção de ninguém menos que Roy Z. O resultado é uma sonoridade moderna e pesada, mas também clara e totalmente audível. Embalado em um digipack muito bonito, tem o seu trabalho gráfico todo realizado por Alax William, com um ótimo resultado. Mostrando não ter sentido as mudanças em sua formação, o Heaviest mostra um Metal moderno, que se caracteriza pelas boas melodias e pela força de sua música, sem abrir mão em momento algum do peso e da agressividade. Continuando nesse caminho, em breve vão se colocar entre os principais nomes do estilo no Brasil.

NOTA: 82

Heaviest é:
- Alax William (vocal);
- Guto Mantesso (guitarra);
- Renato Dias (baixo);
- Vitor Montanaro (bateria).

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terça-feira, 2 de outubro de 2018

Drowned - 7th (2018)


Drowned - 7th (2018)
(Cogumelo Records/Greyhaze Records - Nacional)


01. The Bitter Art of Detestation
02. Rage Before Some Hope
03. Toothless Messiah
04. Murder, Sex, Hate and More
05. Violent March of Chaos
06. Damaged Wood Coffins
07. Epidemic and God Selfishness
08. Elitist Heaven Ruled by Devil
09. The Time Bomb Conscience
10. KRH317
11. Ministry of National Inquisition

Surgido no ano de 1994, em Belo Horizonte, o Drowned construiu uma carreira sólida nesses quase 25 anos de caminhada pelo underground nacional, através de álbuns como Bonegrinder (01), Butchery Age (03) e By the Grace of Evil (04), se tornando assim um dos principais nomes do Death/Thrash da nossa cena. Seu trabalho sempre foi muito correto, íntegro, e nunca se dobraram a modas, sendo dessas bandas que se caracterizam pela honestidade sonora durante toda a sua história. Sendo assim, depois de tanto tempo, porque mudar?

Após um hiato de 6 anos desde o lançamento de seu último álbum, o Drowned retorna com seu 7º trabalho de estúdio, sintomaticamente intitulado 7th, fazendo justamente o que se espera dele, ou seja, sendo ele mesmo. Mas vale frisar, isso não significa que estão se repetindo e lançando o mais do mesmo, já que por sobre uma base Death/Thrash, podemos observar influências mais modernas de Death Metal Melódico, Groove e até mesmo Progressive Thrash. Os vocais de Fernando Lima soam agressivos, e estão bem variados, enquanto as guitarras de Marcos Amorim e Kerley Ribeiro despejam bons riffs e uma dose interessante de melodias. A parte rítmica, com Rafael Porto (baixo) e Beto Loureiro (bateria) dá um show, com muitas variações de andamento, passagens quebradas aqui e ali, sendo responsável por esse ar mais atual que observamos na música do grupo.


Funciona 100% do tempo? Olha, serei sincero com vocês, até porque estou aqui justamente para isso: não. Seria fácil ficar rasgando seda para a banda, devido a sua importância para nossa cena, mas não seria justo. Existem alguns momentos, em faixas como “Murder, Sex, Hate and More”,  “Violent March of Chaos” ou  “Epidemic and God Selfishness”, que a coisa fica um pouco sem sal, por mais que na maior parte do tempo as músicas citadas tenham boas qualidades, principalmente no que tange aos riffs de guitarra, as melodias e as mudanças de tempo. São boas canções, mas falta algo mais. Já em músicas como “The Bitter Art of Detestation”, com sua boa mescla de agressividade e melodia,  “Toothless Messiah”, com algumas passagens bem brutas, “Damaged Wood Coffins”, a melhor de todo álbum, ríspida e melódica, e “The Time Bomb Conscience”, um Death/Thrash bruto, com bom trabalho das guitarras e uma pegada mais moderna, a fórmula funciona com perfeição e fica impossível o ouvinte não se empolgar.

A produção mostra um bom nível e conseguiu aliar clareza com peso e a dose de agressividade necessária. A parte gráfica também ficou bem-feita, e o CD vem embalado em um digipack bem caprichado. Com 7th, o Drowned mostra que é possível sim, buscar algo novo sem precisar virar as costas para o passado. Com uma música que não aposta puramente na velocidade, e mescla bem momentos mais ríspidos com outros mais melódicos, conseguiram uma sonoridade que tem tudo tanto para agradar os fãs mais antigos, como também conquistar novos.

NOTA: 83

Drowned é:
- Fernando Lima (vocal);
- Marcos Amorim (guitarra);
- Kerley Ribeiro (guitarra);
- Rafael Porto (baixo)
- Beto Loureiro (bateria)

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